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Portfólio

Hélio Eichbauer

O escultor dos vazios

TEXTO MARIANA FILGUEIRAS E RONALDO PELLI

01 de Março de 2018

Desenho do cenário criado para 'O rei da vela', montagem de 1967, dirigida por José Celso Martinez

Desenho do cenário criado para 'O rei da vela', montagem de 1967, dirigida por José Celso Martinez

Imagem Divulgação

[conteúdo na íntegra (degustação) | ed. 207 | março 2018]

Assim como Michelangelo
, para quem o bloco de mármore já continha a escultura que ele apenas revelaria ao desbastar a pedra, o principal cenógrafo brasileiro, Hélio Eichbauer, enxerga nos vazios de um palco virgem todas as formas que precisam ser retiradas para compor um cenário. Fica apenas o essencial. Para o polivalente e minimalista artista de 76 anos, o espaço é a sua principal matéria-prima.

“Você precisa de um espaço para o teatro e a música acontecerem. Esse espaço cúbico e esférico, como eu os vejo, é o começo do projeto. É na planta que começo a descobrir o cenário. Como preencher esse espaço. Ou melhor, como retirar desse excesso. Eu enxergo o múltiplo, depois vou abstraindo, vou retirando, vou aparando”, explica ele, sentado entre suas obras expostas no seu ateliê, no Jardim Botânico, no Rio de Janeiro. “No bruto, já está incluído o desenho.”

Só por ter sido o autor do cenário da montagem emblemática que o diretor José Celso Martinez Corrêa fez em 1967 de O rei da vela, peça de autoria de Oswald de Andrade, Hélio já teria o nome cravado na história do teatro brasileiro. Sua leitura visual da obra modernista influenciou gerações de artistas, e foi um marco de outro movimento de vanguarda no Brasil: o Tropicalismo. Desde então, Helio Eichbauer seguiu criando a estética de peças de teatro e espetáculos que marcaram a nossa história cultural, como Antígona, de Sófocles, para o Teatro Opinião, em 1969, ou a adaptação Os Lusíadas, com direção de Celso Nunes, em 1974.


Outro desenho do cenário da montagem de O rei da vela de Zé Celso.
Imagem: Reprodução


Seus últimos trabalhos mostram que ele seguiu desenhando grande: só nos últimos meses, Eichbauer assinou o palco dos shows Caravanas, de Chico Buarque; Ofertório, de Caetano Veloso com seus três filhos, Moreno, Zeca e Tom Veloso; Trinca de ases, de Gilberto Gil, Gal Costa e Nando Reis e a remontagem de 50 anos de O rei da vela pelo Teatro Oficina.

Não que a história da cenografia no Brasil não tivesse pares. Mas é que poucos foram tão iconoclastas quanto ele. Em Cenografia brasileira – Notas de um cenógrafo (Edições Sesc), J. C. Serroni lembra que o espaço cênico no teatro nacional se manteve praticamente inalterado até o início da década de 1940. Muitas vezes, as cenas eram compostas apenas de um pano de fundo, sem muita importância para a ação dramatúrgica – quando muito, telões pintados para os teatros de revista, mas sem investidas conceituais.

A primeira ruptura aconteceu com a peça Vestido de noiva, de 1943, um marco do teatro moderno brasileiro. Lembra Serroni que o projeto de Tomás Santa Rosa foi o primeiro a imaginar a ambientação como parte da própria concepção narrativa. Sob a direção do polonês Zbigniew Ziembinski, que trazia da Europa Central a experimentação daquela linguagem, Santa Rosa concretizou os três planos simultâneos em que corre a ação do texto seminal de Nelson Rodrigues – a realidade, a alucinação e a memória. Assim, a figura do cenotécnico ficava na coxia, e a do cenógrafo ganhava a boca de cena.

O próximo marco dessa história viria a ser a arte de O rei da vela, de Eichbauer. Quando o concebeu, uma de suas sacadas foi ter feito três palcos com referências estéticas diferentes para cada um dos atos – na entrada da sua casa, figura um pôster que reproduz a arte do início da peça, como uma imagem a antecipar, e sintetizar, o seu autor. O primeiro cenário seguia um realismo crítico, com predominância de cores escuras e pintadas de verde-amarelo, em contraposição a um tipo de expressionismo de figuras deformadas e grandes sombras. O segundo ressaltava referências mais solares, como Tarsila do Amaral, suas cores quentes e alegres, em um painel que mostrava uma estilizada Baía de Guanabara. O terceiro ato era uma espécie de embate dos dois primeiros, culminando na morte do personagem principal – e o cenário que o acompanhava era uma cortina vermelha que envolvia uma sombria fileira de esqueletos segurando velas. Um desfile de cores e figuras desesperadas, a surpreender a plateia com reações guturais. Os cenários eram tão marcantes, que, quando a peça foi censurada pela ditadura militar em 1968, o primeiro ato simbólico do diretor Zé Celso foi queimá-lo num cemitério – gesto do qual diz se arrepender profundamente.

“A gente não tinha muita noção do que estava fazendo. Estávamos apenas reeditando a obra de Oswald. Mergulhamos no Modernismo e acabamos criando o Tropicalismo”, comenta Eichbauer, lembrando o sucesso da peça que, seguindo a trilha da anarquia oswaldiana, abriu outra vertente estética para além do chamado teatro engajado.


O teatro engajado ganhou força com o cenário do artista.
Imagem: Reprodução

O rei da vela selou a formação profissional de Hélio. Ele tinha voltado ao Brasil havia pouco tempo de uma temporada de quatro anos em Praga (1962 a 1966), estudando com um dos principais cenógrafos do século XX, o tcheco Josef Svoboda, um pioneiro em projetos que casavam tecnologia e humanismo, lançando mão de materiais até então improváveis no teatro, como laser, espelhos, projeções múltiplas de luz e som. Responsável por mais de 700 cenografias para as mais importantes companhias de teatro e ópera do mundo, Svoboda fundou o famoso grupo teatral Lanterna Mágica, de Praga.

A passagem de Eichbauer pela Tchecoslováquia no pós-guerra o fez mergulhar no universo do Construtivismo e do Abstracionismo, com enfoque em sombras e luz, volumes e tons de cinza entre o preto e o branco. Mas antes de voltar em definitivo ao Brasil, naquele 1966, o artista ainda aceitaria um convite para passar uma breve temporada em Cuba. A estada seria fundamental para lhe injetar de volta as cores dos trópicos, o que culminaria no resultado final exitoso de O rei da vela. “Passei do art déco geométrico para o fauvismo expressionista”, diria ele, anos depois.

***

O cenário queimado de O rei da vela ganharia sobrevida em 1989, quando Caetano Veloso – que se tornou seu amigo naquela alegria-alegria de 1967 – pediu para usar o painel do segundo ato na capa de seu novo álbum, Estrangeiro. Era o início da longa parceria de trabalho dos dois. Eichbauer refez o cenário, e, desde então, assinou 12 cenários de shows de Caetano Veloso.

Estrangeiro também era o início do uso de um elemento em cena que se transformou em uma de suas marcas: os fios, as cordas, as linhas. Apesar de já seguir a cartilha da geometria e do minimalismo – a exemplo dos trabalhos nas das peças Verão, de Roman Weingarten, também em 1967; ou Álbum de família, de Nelson Rodrigues, dois anos depois (ambas dirigidas por Martim Gonçalves) – esses elementos geométricos e minimalistas só se transformariam em uma assinatura em Estrangeiro.


Projeções foram usadas na montagem de 1969 de Álbum de família, direção de Martim Gonçalves.
Foto: Divulgação

Para o cenário, traçou dois fios, um acima do outro, em uma complementaridade imperfeita, como se o de cima sugerisse uma concavidade, mais redonda, mais sensual, lembrando o relevo das montanhas do Rio, enquanto o de baixo, convexo e pontilhado, formava um ângulo reto, mais rígido. “O cenário para música e para ópera não é realista, nem tão somente figurativo. É um cenário minimalista, musical, abstrato. Daí eu utilizar, às vezes, a geometria. A minha base de cenografia é o abstracionismo geométrico”, diz ele. Para o artista, esses fios, barbantes, cordas “são, na verdade, trajetórias, vetores”.

No atual show de Caetano com os filhos, batizado de Ofertório, suas “cordas de assinatura”, como o próprio Caetano as chama, voltaram a aparecer. Hélio colocou um conjunto de quatro linhas no horizonte – os quatro intérpretes –, vindo de ambos os lados do palco. Elas se encontram ao seu centro, mas um centro assimétrico, e se entrelaçam, pendendo, delicadamente. Ao fundo, uma esfera, como um corpo celeste. À frente e à direita, um tecido suspenso, como uma nuvem confortável. A cenografia pode ser vista como uma metáfora para o encontro familiar, caloroso, íntimo. Sugere que os Veloso estão sentados na calçada em frente de casa de Santo Amaro, no Recôncavo baiano, a cantar a vida que passa.

Não foi só a família de Dona Canô que se enredou no seu talento. Praticamente todos os grandes nomes da chamada MPB, aqueles da geração do próprio Hélio, já fizeram uso dos seus trabalhos e das suas criações. De Chico Buarque a Gilberto Gil, passando por nomes como Milton Nascimento e Gal Costa, até artistas mais novas que seguem a mesma toada, como Adriana Calcanhotto ou Marisa Monte. Não só: já assinou o cenário de óperas, cinema, exposições. Encenou Villa-Lobos, Mozart, Verdi, Shakespeare, Tchekhov, Brecht. Fez filmes com Glauber Rocha, Joaquim Pedro de Andrade, Arnaldo Jabor. Ganhou várias vezes o prêmio Molière e o Sharp. Esculpe, pinta, desenha, ilustra, constrói mecanismos. A cenografia não o limita: ele pode trocar de materiais ou de técnicas, dependendo do estímulo.

“Trabalhar com os nomes da minha geração é fácil, porque vivemos um passado em comum. Há uma cumplicidade silenciosa, anterior, de gostos. São concordâncias harmônicas, tem uma relação com a música. É um diálogo interno, há subtextos quase telepáticos.”


Show recente de Caetano e filhos com cenário dele. Foto: Ney Coelho/Divulgação

O processo de criação é simples: ele recebe as músicas ou o texto da peça; recolhe-se, fica escutando-as, lendo, imergindo; e começa a rascunhar, analogicamente, sobre uma prancheta. Não há pedidos insistentes, briefing detalhado ou receita de bolo. Se ele percebe que não se encaixa com o artista, cede o seu lugar para outro cenógrafo.

***

A história com Chico Buarque também começou de forma curiosa: entre os grandes nomes da música, ele foi o primeiro a lhe encomendar um cenário – mas para o teatro. Eichbauer foi chamado para conceber o palco de Calabar, peça de Chico com Ruy Guerra. E a censura, mais uma vez, interrompeu os planos. Os artistas não desistiram e criaram um show completamente novo com as músicas já compostas. Assim, nasceu Tempo e contratempo, em 1974, a primeira parceria dos dois, que também dura até hoje.

Para o show Caravanas, atualmente em cartaz, ele voltou a usar os elementos-assinatura: são várias cordas penduradas, pendentes, umas apoiadas nas outras, dinâmicas, que dão leveza ao mesmo tempo em que emprestam movimento e balanço para o fundo, o horizonte de quem observa o palco. Ao centro, uma esfera armilar – um antigo e icônico instrumento de astronomia usado para ajudar nas navegações.

“O cenário do Chico são ondas eletromagnéticas, que é a parte do iluminador Maneco Quinderé; e ondas mecânicas, a minha parte, que são as ondas do mar. E também as sonoras. Ondas que são linhas”, diz ele, antes de mostrar a maquete em que Chico brincou com as cordas de seu futuro cenário.

Outro exemplo de extensão das suas linhas-trajetórias está no cenário para o show Trinca de ases. As linhas aparecem outra vez, criando elementos bem mais figurados: três pipas – uma para cada intérprete. A luz dialoga, mexendo nas formas, nos volumes, ressaltando-as ou escondendo-as. Linhas retas, duras, que formam uma imagem lúdica, flexível, brasileira. Eichbauer sabe que é possível criar balanço até com as linhas mais insofismáveis. Que toda reta é um pedaço de uma curva. E que a alegria é a prova dos nove, como enunciou, lá atrás, o mesmo Oswald de Andrade.

MARIANA FILGUEIRAS, jornalista, mestranda em Literatura pela UFF.
RONALDO PELLI, jornalista e mestre em Filosofia.

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